Tecniche di improvvisazione musicale di Marco Postacchini nasce da una lunga esperienza didattica maturata nei conservatori e prova a organizzare in modo sistematico lo studio dell’improvvisazione jazz. Pubblicato da Volontè & Co con audio e PDF disponibili in download, il volume non si limita a raccogliere formule o frasi da assimilare: costruisce un percorso progressivo, articolato su un ciclo di studi quinquennale.
È un’impostazione ambiziosa, che porta lo studente dalle strutture accordali di base fino alle sovrapposizioni armoniche, ai poliritmi e al linguaggio outside. Progressivo, però, non significa elementare: per affrontare il metodo con profitto sono già necessarie una discreta familiarità con la lettura musicale, le sigle degli accordi e i fondamenti dell’armonia.
Un metodo nato dall’esperienza didattica
Nell’introduzione Postacchini spiega di aver raccolto e riorganizzato il materiale preparato negli anni per il corso di Tecniche di improvvisazione musicale, tenuto in diversi conservatori italiani. L’impostazione si richiama alla didattica dell’improvvisazione sviluppata negli ultimi decenni da autori e docenti come David Baker, Dave Liebman, Jerry Bergonzi e Hal Crook.
L’obiettivo non è insegnare “cose da suonare” in maniera isolata, ma individuare procedimenti riconoscibili nelle trascrizioni dei grandi solisti della musica afroamericana, trasformandoli in strumenti di studio consapevole. Ogni tecnica viene collocata all’interno di un contesto storico e stilistico, quindi sviluppata attraverso esercizi destinati alla comprensione, all’interiorizzazione e all’applicazione nel fraseggio.
È uno degli aspetti più convincenti del volume: l’improvvisazione viene trattata come un linguaggio composto da aree tematiche distinte, ciascuna con una propria logica e con modalità di studio specifiche. Postacchini non propone quindi un prontuario di frasi preconfezionate, ma un sistema per comprendere come il fraseggio possa essere costruito, trasformato e progressivamente reso personale.
Una struttura divisa tra triennio e biennio
L’indice chiarisce bene l’ampiezza del progetto. La prima parte, dedicata al triennio e suddivisa nei livelli T1, T2 e T3, parte dalle strutture accordali di base, dalle scale pentatoniche, dalla scala blues e dalle scale modali. Il percorso prosegue affrontando la gestione dello spazio, le figurazioni ritmiche, gli elementi di scorrimento, le tecniche di approccio e le strutture melodiche.
Nei livelli successivi entrano in gioco le estensioni degli accordi, le guide tones, le scale bebop, i pattern ritmici, i pattern sul II-V-I, le upper structures, le pentatoniche avanzate, le scale simmetriche, la scala alterata e i Coltrane changes.
La seconda parte, dedicata al biennio e articolata nei livelli B1 e B2, sviluppa contenuti più avanzati: ulteriori tipologie di scale pentatoniche, sviluppo motivico, spostamento ritmico, utilizzo della pentatonica minore in modalità out, elementi outside, riarmonizzazione estemporanea del II-V-I, modelli armonici basati sui Coltrane changes, poliritmi, scala tritonica e cromatismo bebop.
Il percorso si conclude con un approfondimento ritmico e con lo studio delle scale esatoniche costruite attraverso coppie di triadi. La progressione è coerente, ma richiede tempo: il libro non è pensato per essere attraversato rapidamente, bensì per accompagnare uno studio quotidiano e distribuito su un periodo piuttosto lungo.
Dalle note cordali alla costruzione della frase
Il primo capitolo rende immediatamente riconoscibile l’approccio adottato da Postacchini. Il punto di partenza è l’improvvisazione sulle sole note cordali del giro armonico, preceduta dallo studio delle principali tipologie di triadi e quadriadi.
Da qui viene introdotto lo studio delle partenze: lo studente è invitato a iniziare la frase, in corrispondenza dell’ingresso di un accordo, utilizzando una delle sue note costitutive. Non viene presentata come una regola da applicare meccanicamente, ma come un principio ricorrente nei soli storici e utile per rendere immediatamente leggibile il rapporto tra linea melodica e armonia.
È una scelta didattica concreta, perché impedisce di nascondersi dietro scale eseguite in maniera automatica. Prima di allontanarsi dall’accordo, bisogna imparare a descriverlo. Sembra elementare, ma è proprio nei fondamentali che spesso il fraseggio comincia a mostrare qualche crepa.
Pentatoniche e scale modali
Nel capitolo dedicato alle scale pentatoniche, la pentatonica maggiore viene ricavata dalla scala maggiore eliminando il quarto e il settimo grado, considerati i suoni maggiormente soggetti a tendenza melodica. Il metodo chiarisce quindi la relazione tra le forme maggiore e minore e gli accordi ai quali vengono generalmente associate.
La scala non è trattata come una semplice formula da memorizzare: viene subito inserita in esercizi di permutazione, nei pattern armonici e nello studio delle partenze. In questo modo anche un materiale apparentemente familiare viene ricondotto alla costruzione effettiva del fraseggio.
Lo stesso criterio viene applicato alle scale modali. Postacchini introduce i concetti di scala sorgente e scala di riferimento, partendo dalla scala maggiore, dalla minore armonica e dalla minore melodica. Da queste vengono ricavati i relativi modi, selezionando inizialmente quelli più utili invece di mettere subito lo studente davanti a un catalogo di ventuno possibilità da imparare a memoria.
Spazio, ritmo e tecniche di approccio
Uno degli elementi più interessanti è l’attenzione dedicata al ruolo dello spazio nel fraseggio. La costruzione improvvisativa non viene misurata soltanto attraverso il numero delle note: anche il silenzio, la distanza tra gli eventi sonori e la distribuzione del materiale contribuiscono alla chiarezza e alla direzione della frase.
Il lavoro sul ritmo parte dalle figurazioni di base e arriva allo studio dei pattern, alla loro combinazione secondo il modello domanda-risposta, ai diversi livelli di sincopazione e alla gestione della densità ritmica. Il ritmo non viene quindi trattato come semplice contenitore dell’informazione armonica, ma come uno dei principali strumenti di organizzazione del discorso musicale.
Altrettanto articolato è il capitolo sulle tecniche di approccio, che comprende approcci verticali semplici e complessi, cromatismi, doppi approcci, interpolazioni e movimenti orizzontali ricavati dalle scale maggiore, minore armonica e minore melodica.
Il valore pratico del metodo emerge proprio in sezioni come questa: i procedimenti non vengono soltanto definiti, ma inseriti in esercizi che mirano a trasferirli gradualmente nel fraseggio libero.
Dal bebop al linguaggio outside
Con le scale bebop, le upper structures, le scale simmetriche, la scala alterata e i Coltrane changes, il volume entra progressivamente nel linguaggio jazz moderno. Lo studente viene accompagnato verso un uso più consapevole del cromatismo, delle tensioni disponibili e delle sovrapposizioni armoniche.
La parte dedicata al biennio amplia ulteriormente il discorso attraverso lo sviluppo motivico, lo spostamento ritmico e le diverse modalità di costruzione outside. Triadi, pentatoniche, scale maggiori e scale diminuite vengono utilizzate anche al di fuori del centro armonico di riferimento, con diversi gradi di dissonanza.
Il punto interessante è che l’outside non viene presentato come un effetto da aggiungere al momento opportuno, ma come il risultato di un processo controllato di tensione e risoluzione. È una differenza sostanziale: uscire dall’armonia è relativamente facile, riuscire a rientrarci con una frase che conservi senso musicale un po’ meno.
Come sono organizzati gli esercizi
I capitoli iniziali mostrano una struttura didattica piuttosto chiara. Ogni argomento viene preceduto da una spiegazione teorica, seguita da esempi in notazione musicale e da esercizi progressivi. Il materiale non è costruito come una raccolta di lick, ma come un insieme di procedimenti da applicare agli accordi, alle tonalità, ai pattern armonici e ai brani.
Le sigle T1, T2, T3, B1 e B2 permettono inoltre di collocare ogni tecnica all’interno del percorso quinquennale. Questa organizzazione rende il volume adatto sia allo studio individuale sia all’utilizzo all’interno di corsi accademici o percorsi seguiti da un insegnante.
La densità dei contenuti rappresenta al tempo stesso un punto di forza e un elemento da tenere presente. Il libro offre molto materiale, ma richiede continuità, capacità di selezionare gli argomenti e disponibilità a lavorare a lungo sullo stesso procedimento. Non è, insomma, un manuale da sfogliare il sabato pomeriggio nella speranza di suonare come Michael Brecker la domenica mattina.
Audio e pratica musicale
Il volume è completato da numerose tracce audio registrate da una sezione ritmica, pensate per consentire allo studente di applicare gli esercizi in contesti differenti per stile e velocità. A queste si aggiungono i materiali in PDF disponibili in download.
La presenza delle basi rende il metodo più concreto, perché permette di verificare subito la tenuta ritmica e armonica di quanto studiato. Postacchini chiarisce però che nessun esercizio può sostituire l’ascolto dei dischi, la frequentazione della musica dal vivo e la pratica quotidiana. Il metodo fornisce gli strumenti, ma il linguaggio personale continua a dipendere dall’esperienza musicale accumulata nel tempo.
L’autore
Marco Postacchini si è diplomato in Sassofono presso il Conservatorio “G.B. Pergolesi” di Fermo e ha completato gli studi in Strumentazione per Banda, Composizione e Jazz presso il Conservatorio “G. Rossini” di Pesaro. Nel 2011 si è perfezionato con Hal Crook, docente del Berklee College of Music.
Nel corso della sua attività ha collaborato con musicisti come Massimo Manzi, Rita Marcotulli, Maurizio Giammarco, Federico Malaman, Rosario Giuliani, Flavio Boltro, Javier Girotto, Fabrizio Bosso, Enrico Rava e Raphael Gualazzi.
Ha insegnato armonia, composizione, arrangiamento, improvvisazione, sassofono jazz, musica d’insieme, videoscrittura musicale e laboratorio Big Band in scuole, accademie e conservatori. È titolare della cattedra di Composizione jazz presso il Conservatorio “G.B. Pergolesi” di Fermo.
Il curriculum, da solo, naturalmente non basta a determinare la qualità di un metodo. In questo caso, però, aiuta a comprendere l’origine dell’impostazione accademica e operativa del volume, costruito intorno a problemi didattici reali e non soltanto a una classificazione teorica degli argomenti.
A chi è rivolto
Il destinatario ideale è lo studente che possiede già le basi della lettura musicale e dell’armonia e vuole organizzare lo studio dell’improvvisazione jazz attraverso un percorso progressivo. Il volume può accompagnare chi si trova nelle prime fasi dello studio specialistico, ma non è pensato per un principiante assoluto che non abbia ancora familiarità con triadi, quadriadi, sigle accordali e principali strutture tonali.
Può risultare utile anche al musicista che ha già sviluppato un proprio vocabolario, ma sente la necessità di rimettere ordine tra scale, approcci, pattern, sovrapposizioni e procedimenti ritmici. La struttura quinquennale lo rende particolarmente adatto a uno studio graduale, mentre la parte avanzata offre materiale sufficiente per lavorare a lungo senza esaurire rapidamente le possibilità di applicazione.
Un metodo ampio, da affrontare senza fretta
Tecniche di improvvisazione musicale è un metodo ampio, rigoroso e ben organizzato, che affronta l’improvvisazione come un linguaggio in continua evoluzione. Il principale punto di forza è la capacità di collegare teoria, analisi dei soli storici ed esercizio pratico, evitando di ridurre lo studio a una raccolta di formule da ripetere.
La quantità dei contenuti richiede però impegno e continuità. Alcune sezioni avanzate possono risultare impegnative senza una guida o senza solide conoscenze armoniche, mentre chi cerca risultati immediati potrebbe trovare il percorso fin troppo articolato. Non è un limite del metodo, quanto una conseguenza della sua impostazione: il libro non promette scorciatoie e chiede allo studente di lavorare seriamente sul materiale.
È quindi un testo destinato soprattutto a chi vuole costruire un lessico improvvisativo consapevole e sviluppare, nel tempo, una voce personale. Non insegna semplicemente quali note suonare, ma prova a spiegare come organizzarle, trasformarle e farle diventare parte di un discorso musicale credibile.
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